Quelle sont les 10 sculptures emblématiques du 20ème siècle ?

Les arts modernes européens font parler d’eux jusqu’à la Seconde guerre mondiale. Les États-Unis ont aussi subi leur influence au fil du temps. Au lendemain de la Seconde guerre mondiale, l’Amérique a commencé à dominer l’art contemporain. Cela s’étend jusqu’à nos jours. Les artistes du XXe siècle utilisent l’art pour communiquer. L’esthétique, plus précisément la recherche du beau, a été plus ou moins mise de côté pour faire place à des concepts plus modernes.

Les animaux sculptés autrement

Les animaux sont souvent sollicités en matière d’œuvres d’art. Ci-dessous quelques sculptures célèbres issues du XXe siècle.

Balloon Dog

Les Balloon Dog sont l’œuvre de Jeff Koons, réalisés entre 1994 et 2000. Cet artiste a exposé le fameux ballon magenta en forme de chien au beau milieu du Château de Versailles (Dimensions : H 307,3 x L 363,2 x l 114,3 cm). C’est en 2008 que cette structure en métal a occupé le Salon d’Hercule. L’œuvre a été conçue afin de rendre hommage au fils de l’artiste qu’il ne voyait plus suite à son divorce en 1994. Le ballon vous ramène directement à l’enfance. Vous en avez sûrement vu durant les foires et événements divers. Bien que le chien ait une apparence en latex, il a été conçu avec de l’acier chromé inoxydable lourd et résistant. Le ballon se décline en 5 couleurs bien distinctes : rouge, magenta, jaune, bleu et orange. Les ballons colorés sont exposés dans différents endroits.

Les collectionneurs célèbres les achètent à des prix exorbitants. Selon Jeff Koons, le chien incarne la survie et démontre son amour paternel. Il reflète également la joie de célébrer une fête comme un anniversaire. Un ballon est dédié au gonflement. La respiration lui permet de prendre forme. Sans cela, il s’effondre. Il a donc besoin de la vie pour durer. Koons est reconnu pour sa capacité à transformer des objets usuels de la vie en de véritables œuvres d’art. La célébrité de cette œuvre koonesque est incontestable. Le fameux ballon apparaît dans le long métrage “La nuit au musée 2” lorsqu’il sautille derrière l’acteur Ben Stiller. Une reproduction de l’ours est aussi implantée à l’entrée du parc de Dijon.

Ours blanc

Le sculpteur français François Pompon est le créateur de l’ours blanc géant (dimensions : H. 163 ; L. 251 ; P. 90 cm). L’œuvre a été présentée au Salon d’Automne en 1922. Les formes douces de l’ours changent des éternels détails et accessoires que vous pouvez voir chez les sculptures habituelles. Appréciant tout particulièrement les œuvres sans trou ni ombre, Pompon est parvenu à créer une sculpture lisse aux contours arrondis. Il a tendance à privilégier les pierres claires. L’ours est populaire depuis sa création jusqu’à ce jour. Vous pouvez voir diverses reproductions de l’œuvre, mais en version réduite chez les vendeurs en ligne tels que les Boutiques de Musées.

“Maman”, un animal qui incarne le souvenir d’une mère

Méfiez-vous, cette sculpture est tout sauf celle d’une maman. Louise Bourgeois s’est surpassée en créant une araignée de bronze géante d’une hauteur de 10 mètres dotée d’une cage en métal abritant ses 26 œufs. Intitulée Maman, cette sculpture monumentale rend hommage à la mère de l’artiste. Rassurez-vous, l’œuvre fait référence à la couturière avérée qu’était la maman de Louise, ainsi qu’à la personne bienveillante et travailleuse qu’elle représente. Les pattes de l’araignée incarnent les fils utilisés en couture. L’histoire est plutôt émouvante. La famille de Louise œuvrait dans la restauration de tapisserie. Sa maman se chargeait de l’atelier jusqu’à ce qu’elle soit emportée par la mort. Louise avait 21 ans lorsqu’elle a perdu sa mère.

D’une apparence inquiétante, l’araignée n’effraie pourtant personne. Elle a été exposée un peu partout dans le monde,  notamment à Washington et en Chine. Spider et ses huit pattes furent exposés dans plusieurs musées internationaux tels que les beaux-arts d’Ottawa. Comme l’œuvre de Jeff Koons, Spider fait partie des éléments vendus aux enchères chez Christie’s à New York. L’araignée fait encore parler d’elle à ce jour, notamment pendant une exposition dédiée à la fête des mères réalisée au Musée des beaux-arts du Canada le 12 mai 2019.

Les impressionnantes sculptures humaines

L’Homme est aussi un modèle incontournable pour évoquer la puissance d’un art. Une forme humaine est toujours plus facile à comprendre.

Les Nanas

Les Nanas ne sont pas des statues de jeunes filles minces. Il s’agit plutôt de sculptures en résine de polyester représentant des femmes colorées aux formes généreuses dont les fesses et la poitrine sont marquées. Les femmes n’ont pas de visage et ne sont vêtues que d’une combinaison multicolore dont la forme est similaire à celle d’un maillot de bain une pièce. La plasticienne, sculptrice, peintre et réalisatrice de films franco-américaine Niki Saint-Phalle se trouve derrière les Nanas. La première série de statue a vu le jour vers la fin des années 60. Selon l’histoire, Niki s’est inspirée du dessin de l’une de ses amies. Outre leurs couleurs éclatantes, les Nanas impressionnent par leur posture joyeuse. Elles incarnent la féminité assumée. Ces poupées géantes inspirent la liberté et la joie de vivre.

Certaines expositions vous permettent de voir les Nanas, notamment celle qui est organisée par le Grand Palais depuis des années.

La Petite Sirène

Ceux qui connaissent le conte du célèbre écrivain Hans Christian Andersen auront une petite idée d’à quoi peut ressembler la Petite Sirène. C’est en hommage à ce conte éponyme qu’Edvard Johannes Eriksen a eu l’idée de créer une petite sirène assise sur un rocher en 1913. Sa femme lui servit de modèle. L’œuvre du sculpteur islando-danois est installée dans la capitale danoise, plus précisément dans le port de Copenhague. Elle est devenue une attraction particulière qui fait la réputation des lieux. La Petite Sirène a été volée à plusieurs reprises, mais elle a finalement survécu à ces actes de vandalismes répétitifs. À ce jour, la petite sirène apparaît toujours dans de nombreuses photos mises en ligne par les touristes des quatre coins du monde.

L’homme qui marche

Les formes humaines sont à l’honneur chez certains artistes bien connus. L’homme qui marche est l’œuvre du peintre et sculpteur suisse Alberto Giacometti. Créée en 1960,  la sculpture en bronze représente un personnage à l’apparence mince, voire squelettique (Dimensions : 181,5 x 27 x 95,9 cm). Cette silhouette filiforme engendre diverses interprétations. Le personnage est nu, mais ses formes sont dissimulées sous une peau fine couvrant les os. Ses deux bras sont maintenus le long de son corps, tandis que ses pieds sont étirés. D’une démarche assurée, l’homme avance vers un monde meilleur. Les mains et les pieds du fameux personnage sont surdimensionnés. Le tout est collé sur un socle. Son regard pointé vers l’horizon, quant à lui, montre que l’homme scrute son avenir. L’œuvre a été présentée au musée Picasso dernièrement, durant l’exposition “Picasso-Giacometti”.

L’Homme en mouvement

Le  peintre et sculpteur italien Umberto Boccioni est le créateur d’une sculpture d’un homme musclé qui marche illustré en trois dimensions. Cette forme humaine impressionne par son allure futuriste. L’homme fait un pas en avant. Bien qu’elle soit plus ou moins déstructurée, l’œuvre représente très bien un être humain, mais qui est dépourvu de visage, de bras et de pieds. À vue d’œil, la sculpture subit une métamorphose. Au début de sa création, la sculpture a été réalisée en plâtre. Vous pouvez voir l’original à São Paulo, au Museu de Arte Contemporânea. C’est après la mort de l’artiste qu’elle a été coulée en bronze. Plusieurs exemplaires sont également visibles à New York au Museum of Modern Art, à la Galerie nationale de Cosenza, mais aussi à Milan au Museo del Novecento. Bien que l’œuvre ne soit pas très connue, elle a fait parler d’elle durant des années et à ce jour.

Les objets banals transformés en œuvres d’art

Les éléments tirés de la vie quotidienne sont souvent transformés pour créer des œuvres d’art. Ils font parler d’eux-mêmes.

La Guitare

Les grands amateurs d’instruments de musique se feront un plaisir d’admirer la fameuse guitare en carton, en fils et en papier de l’artiste espagnol Pablo Picasso. L’œuvre a vu le jour en 1912. Elle a été revisitée 2 ans plus tard, mais cette fois l’artiste utilise la tôle comme matériau. Bien qu’il ait été reconnu pour être l’un des inventeurs du cubisme, Picasso retient cette fois toutes les attentions avec une œuvre à trois dimensions. Il a ainsi réuni des fragments de papier peint et des coupures de journaux pour créer la guitare. Ces objets de la vie quotidienne sont rarement utilisés dans l’art. Picasso a su en tirer profit à sa manière.

Les Compressions

Les personnes qui ne sont pas attirées par les œuvres d’art, tout simplement parce qu’elles n’ont pas saisi leur signification, seront encore plus désorientées avec les Compressions. La différence est que vous serez tout aussi impressionné. Le sculpteur français César Baldaccini crée en 1960 une structure en métal à partir d’un ensemble d’objets. Le rendu est dédié à la société de consommation de l’époque dans le but de la défier. L’artiste se surpasse en sélectionnant plusieurs voitures neuves pour fabriquer les Compressions.

Les Mobiles

Les mobiles suspendus sont l’œuvre du sculpteur et peintre américain Alexander Calder. Cet artiste est plus connu pour ses personnages en fil de fer et ses œuvres monumentales souvent exposées dans des espaces publics. Les Mobiles ludiques incarnent la légèreté et représentent la modernité.

La reproduction des œuvres d’art du 20e siècle

Les œuvres d’art du XXe siècle n’ont pas fini de faire parler d’elles. Aujourd’hui, la majorité est encore vendue en ligne chez les sites marchands célèbres. D’autres sont encore exposées un peu partout dans le monde, dans des lieux connus des voyageurs. Les éléments commercialisés ne sont pas originaux, mais plutôt des reproductions dont la taille varie d’un produit à un autre.